Article Image
read

alt

Continuando con la selección de películas que han roto el molde en aspectos tecnológicos, aqui las siguientes 5:

6. 28 Days Later (2002)

Danny Boyle tomó el formato digital y lo utilizó para su filme británic de ciencia ficción y terror 28 días después . En el proceso, se abrió un nuevo camino técnico dentro de la industria mediante el formato MiniDV para revivir el género zombie. La trama se centra en el quiebre de la sociedad a raíz de la liberación accidental de un virus altamente contagioso " rabia " que ha transformado la raza humana en muertos vivientes.

A fin de mantener la sensación anárquica y áspera de guión de Alex Garland, Boyle optó por rodar en DV , usando la Canon XL1 . Este formato fue en el extremo inferior de la escala de resolución DV pero Boyle ha afirmado en repetidas ocasiones que esta fue una elección artística. 28 días después exhibe las posibilidades estéticas únicas de la tecnología digital a temprana edad del uso de ésta, ya que da a la película un realismo visceral a menudo asociada con ( como se mencionó anteriormente ) found footage . Boyle demuestró que el MiniDV es un formato viable para el cine si se emplea de manera correcta.

7. The Wizard of Oz (1939)

Cuando Dorothy en tono sepia (Judy Garland) abre la puerta de la casa de campo en tonos igual sepia, el vibrante mundo de Oz irrumpe a través de la puerta. La cámara sigue a Dorothy, que se revela usando un vestido de algodón de color azul brillante, mientras se pasa por encima del umbral en la tierra de Oz en Technicolor. La transición del blanco y negro al tecnicolor en El mago de Oz es una secuencia visual que era, técnicamente, un logro importante.

Todas las secuencias de Oz fueron filmadas en un proceso de sustracción de tres tiras. Cada tira, se ejecuta simultáneamente, en la cual se hacía hincapié en un color diferente del espectro. Este proceso Technicolor nos dio las zapatillas de rubí icónicas que han llegado a definir la película. En la novela original eran " zapatos de plata", pero se cambiaron al rubí con el fin de aprovechar las ventajas de la tecnología en uso.

Así, mientras que la cinematografía actual de color se da por sentads (hasta el punto de que algunas personas de mente estrecha se niegan a ver una película en blanco y negro), en 1939 los colores aumentados de El mago de Oz fueron una revelación.

8. The Jazz Singer (1927)

El momento en que el sonido irrumpió en el cine fue en The Jazz Singer de Alan Crosland en 1927. El musical , basado en una obra de Samson Raphaelson , fue el primer largometraje en utilizar la tecnología de Warner Bros el Victafono desonido -a- disco para reproducir la partitura musical y episodios esporádicos de discurso sincronizado . Es cierto que el diálogo se limita a unas pocas frases , pero su lanzamiento anunciaba la ascendencia de las " películas habladas " .

Las consecuencias de sonido sincronizado para el cine no fueron sólo genéricas. Impactó en la narrativa , el género , el estilo, y se convirtió en un elemento crucial para el registro de la realidad auténtica . Por ejemplo , en 1931 M de Fritz Lang utilizó por primera vez el sonido para dramatizar el conflicto interno del personaje a través del uso externo de un silbido motivado.

9. The Thief of Bagdad (1940)

Algunos podrían decir que El ladrón de Bagdad tiene halos de pantalla azul que son claramente evidentes y objetos voladores que no parecen flotar sin esfuerzo como deberían - pero sería un error. Los efectos especiales , supervisados por Larry Butler, fueron un gran avance en la técnica y la visión. La película fue la primera en usar la pantalla azul, o la tecnología key crome , que era una variación sobre el proceso existente "travelling mate" .

En la famosa escena del genio, mediante el uso de una impresora óptica para combinar una toma del genio cerca de la cámara , y una de Abu a cientos de pies de distancia .Se logra fusionar ambos en la misma toma, ambos están filmados por una cámara en la misma playa.
Esta técnica se ha convertido en el proceso estándar para separar elementos de la pantalla y los actores de sus fondos, y colocarlos en nuevos fondos para fines de efectos especiales.

10. Bound for Glory (1976)

Antes de 1975 , la cámara sólo puedía ser montada en un soporte de la cámara o el operador de cámara tenía que sostener la cámara en sus manos. Si bien estas técnicas cinematográficas siguen siendo comunes , el Steady-cam añadió otra dimensión a la cinematografía . El Steady-cam , esencialmente , combina el metraje constante estabilizado de un trípode convencional montado con el movimiento fluido de una toma en auto o dolly y la flexibilidad del trabajo de cámara de mano.

Bound for Glory fue la primer película en la que el inventor/operador Garrett Brown utilizó su nuevo aditamento para las escenas de filmación en movimiento. La biopic de Woody Gutherie debutó con una toma que muestra la innovación del Steady-cam . La toma comienza en una plataforma de una grúa totalmente elevada que se desliza hacia abajo, y cuando llega al suelo , Brown baja y se dirige hacia delante y comienza a desplazarse libremente entre la gente. Fue un gran paso.

comments powered by Disqus
Blog Logo

Hugo A. Vázquez

Post-producción Audio y Video / Cine / Community Manager


Image

Thinkers in Motion

Este es nuestro blog. Aquí compartimos, con nuestros amigos nuestras experiencias, nuevas tendencias y noticias. Síguenos.

Regresa a nuestra portada.